SESIÓN XVII MAYO 2023

XVII ISTA-NG (International School of Theatre Anthropology - New Generation)

PRE-EXPRESIVIDAD - COMPOSICIÓN - MONTAJE

7-20 Mayo 2023

Pécsvárad – Castillo Pécs – Bóbita Puppets, Budapest – National Theatre

Organizado por la Fondazione Barba Varley, Teatro Nacional de Budapest dentro del marco de las Olimpíadas de Teatro 2023 en colaboración con Sinum Theatre Laboratory, Hungría y bajo la dirección artística de Eugenio Barba

12 maestras/os de 9 países

56 participantes de 23 países

4 horas por día entrenamiento físico y vocal

3 horas por día de trabajo sobre el proceso y montaje de un espectáculo

10 demostraciones de trabajo

8 espectáculos

1 espectáculo creado durante la sesión cerrada de la ISTA y presentado en el marco de las Olimpíadas de Teatro 2023

45.000 fotografías tomadas

45 horas de live streaming para 100 seguidores de todo el mundo

150 horas de registro audiovisual

Foto de © Francesco Galli

Pray for the grace of accuracy.

Robert Lowell, Epilogue

STAFF ARTÍSTICO, MAESTRAS-OS

DIRECTOR

Eugenio Barba, Odin Teatret, Dinamarca

MAESTRAS-OS Y ARTISTAS DE LA ISTA N/G

Keiin Yoshimura, danza Kamigata-mai, Japón

Parvathy Baul, cantante Baul, India

I Wayan Bawa, danza balinesa, Bali

Julia Varley, Odin Teatret, Dinamarca

Alício Amaral y Juliana Pardo, danza Cavalo marinho, Mundu Rodá, Brasil

Caterina Scotti, Flamenco, TTB (Teatro tascabile Bergamo), Italia

Alessandro Rigoletti, Kathakali, TTB, (Teatro tascabile Bergamo), Italia

Yalan Ling, teatro/danza Nanguan (Taiwán)

Ana Woolf, teatro di gruppo CATA (Argentina)

István Berecz, danzas húngaras (Hungría)

MUSICOS

Annada Prasanna Pattanaik, flauta, India

So Sugiura, shamisen, Japón

Mirto Baliani, soundscape, Italia

Rachid Bromi, oud, Marrueco

Jornadas de trabajo en Pécsvárad – Castillo (7 – 17 mayo)

6.45 ALBA, tiempo del silencio y del canto matutino

7-7.30 Desayuno

7.30-9.00 LOS PRINCIPIOS DE LA PRE-EXPRESIVIDAD

4 grupos de participantes trabajaban alternadamente con cada maestra-o

9.00-9.15 Pausa

9.15-10.45 LOS PRINCIPIOS DE LA PRE-EXPRESIVIDAD

4 grupos de participantes trabajaban alternadamente con cada maestra-o

10.45-11.15 Pausa

11.15-12.45 COMPOSICIÓN EN EL TEATRO y EN LA DANZA con Eugenio Barba y maestras-os

13.00-14.00 Almuerzo

14.00-15.00 TRUEQUES, INTERACCIONES y FUSIONES o MÚSICA COMO PARTNER EN EL MONTAJE Annada Prasanna Pattanaik, Mirto Baliani, Alício Amaral, Rachid Bromi

15.00-15.45 COMPOSICIÓN VOCAL y FÍSICA con Julia Varley o MÚSICA COMO PARTNER EN EL MONTAJE con Annada Prasanna Pattanaik, Mirto Baliani, Alício Amaral, Rachid Bromi

15.45-16.00 Pausa

16.00-19.00 MONTAJE: DE LA PRE-ESPRESIVIDAD AL ESPECTÁCULO con Eugenio Barba

19.15-20.15 Cena

20.30 Partida del autobus para Pécs

21.00 ESPECTÁCULO

22.15 Regreso del autobus para Pécsvárad

57 participantes de 27 países

Argentina 4

Bélgica 1

Brasil 4

China 1

Colombia 1

Cuba 1

Ecuador 1

Francia 1

Alemania 1

Grecia 3

Hungría 16

Irlanda 1

Italia 4

Macedonia 1

México 1

Marrueco 2

Perú 1

Polonia 1

Serbia 1

Corea del sur 1

España 2

Rumanía 1

Taiwán 1

Venezuela 1

Ucrania 1

UK 1

USA 3

Divididos en 4 grupos:

Margarita Xirgu, nació en 1888 en una familia de clase obrera, se inicia como actriz en Barcelona en 1902 con compañías no profesionales y, a pesar de una grave enfermedad pulmonar, debuta profesionalmente en 1910 con la compañía de Josep Santpere. En 1914 se muda a Madrid donde interpreta roles importantes en el Teatro Español. Su larga amistad con Federico García Lorca inicia en 1927 gracias a Mariana Pineda. En 1936, en el momento del golpe militar en España, Margarita Xirgu se encontraba de gira en Chile y Argentina: se declara inmediatamente a favor de la República española, desencadenando una violenta reacción por parte de la prensa española y de los ambientes conservadores. En 1939, con la victoria del fascismo en España, Xirgu parte en exilio a Argentina donde se dedica intensamente a la actividad pedagógica marcando a una generación entera de actores argentinos. En 1949 funda en Montevideo la Escuela Municipal de Arte Dramático (EMAD), que dirige hasta 1957 y que hoy lleva su nombre. En 1988, diecinueve años después de su muerte, la Generalitat della Catalogna pidió la repatriación de sus restos, que actualmente reposan en Molins de Rey, su ciudad natal.

Sada Yakko (nombre artístico de Koyama Sada) nace en Tokyo en 1871. A los cuatro años la mandan a trabajar como camarera en la casa de las geishas Hamada, en el barrio Yoshichō de Tokyo, donde llama la atención del primer ministro japonés, Itō Hirobumi, quien la ayudará a terminar su formación. Un sacerdote sintoísta le enseñará a leer y a escribir. Se trata de una iniciativa revolucionaria, ya que en esos tiempos la instrucción de las mujeres en Japón apenas estaba comenzando. En 1894 se casa con el actor Kawakami Otojirō, considerado uno de los fundadores de la “nueva escuela teatral” Shinpa. Pasa a formar parte de la compañía del marido Kawakami Ichiza, en una época en la cual las mujeres que actuaban en el mismo escenario que los hombres eran consideradas indecorosas. Su debut será durante la gira de la compañía por Estados Unidos y Europa en 1899. Sada Yakko llama enseguida la atención de la crítica europea obteniendo así un notable éxito personal. El año sucesivo Loie Fuller organiza una segunda gira de la Compañía Kawakami en Europa. En Japón, Sada Yakko continúa presentándose en la compañía Kawakami y en 1908 funda en Tokyo la primera escuela dedicada a la formación de actrices (Teikoku Joyū Yōseijo), siendo ella misma la directora de la escuela. En 1911, después de la muerte del marido, funda su propia compañía: Sada Yakko Ichiza. En octubre de 1917 decide retirarse de la escena. Después de su muerte, a la edad de 75 años, su casa de Nagoya fue restaurada y abierta al público como museo.

Edith Craig, nació en 1869, fue la primera mujer directora de teatro, productora, vestuarista, actriz y pionera del movimiento a favor del voto de las mujeres en Inglaterra. Hija de la actriz Ellen Terry y hermana de Edward Gordon Craig, también hombre de teatro. Edith Craig ha dado vida a una sociedad teatral en Londres llamada: Pioneer Players (1911-1925), conocida por haber producido obras teatrales prohibidas anteriormente, sobre el humanismo social, el voto de las mujeres y sobre feminismo, incorporando desde 1915, obras extranjeras en inglés. La Pioneer Players fue descripta por algunos críticos como una compañía teatral feminista, que aumentó las oportunidades de las mujeres en el teatro y para la cual Edith Craig produjo alrededor de 150 obras. Edith Craig participa también en diferentes grupos de militancia por el voto de las mujeres. En 1929, año sucesivo a la muerte de Ellen Terry, Edith Craig transforma el granero isabelino adyacente a la casa de Terry en Smallhythe Place, en un teatro que llama The Barn Theatre. Aquí, cada año, para conmemorar el aniversario de la muerte de su madre, pone en escena una obra de Shakespeare. Edith Craig actuó también en varios films mudos, entre ellos Fires of Fate (1923). Muere en 1947.

M.A. Valentei Meyerhold (Masha) nos deja en el 2003 a la edad de 79 años. Tenía 14 años en 1939 cuando su abuelo Vsevolod Meyerhold es arrestado y posteriormente fusilado, y 17 cuando su abuela Olga Munt es enviada a un campo de concentración. Masha lucha por la restauración política de la imagen e historia de su abuelo, uno de los grandes maestros del teatro ruso. En 1955 obtiene su rehabilitación jurídica. No tiene miedo de consultar el archivo Meyerhold de la KGB. Al comienzo de los años de 1990 logra transformar el departamento del abuelo, donde fue asesinada su mujer, en un museo e institución cultural, conservando algunos de los documentos más importantes de la historia de la “edad de oro” del teatro. La visita a esta casa-museo no podía no concluir con una taza de té y un souvenir. Cuenta Eugenio Barba: “Masha parecía frágil, pero ha luchado ferozmente durante toda su vida contra la pérdida de la memoria. Llevaba sobre su espalda el peso de muchos años y sus ojos azules estaban llenos de luz”.

EL FESTIVAL

Pécs, Bóbita Puppets, 8-15 Mayo

8 espectáculos:

Julia Varley (Odin Teatret), Ave María, dirección de Eugenio Barba

I Wayan Bawa, The Actor and His Masks, creado en colaboración con Julia Varley

Ana Woolf (CATA), Seeds of Memory, dirección de Julia Varley

Parvathy Baul, Radhabhav

Juliana Pardo y Alício Amaral (Mundo Rodá), The warrior maiden – New paths, dirección Jesser de Souza y Juliana Pardo

Yalan Lin, Her – Nanguan and Nanguan XI, Repertorio/Montaje Yalan Lin, Yong-Zhen Yeh

Caterina Scotti (TTB), Amor sacro e amor profano, dirección de Renzo Vescovi

Keiin Yoshimura y So Sugiura, Kamigata mai

EL ESPECTÁCULO DEL THEATRUM MUNDI

Budapest, National Theatre

18, 19 ensayos y 20 debut

ANASTASIS/RESURRECCIÓN

Creado y dirigido por Eugenio Barba

Anastasis representa las diferentes fases y realidad de la vida, del nacimiento y la muerte y de nuevo el renacimiento en el mundo de la naturaleza, de los animales y de los seres humanos. Anastasis es un himno a la fuerza de la Vida y un homenaje al arte del actor/bailarín con su esplendor de estilos y expresiones.

Sobre el escenario intérpretes de diferentes países y tradiciones: el noh de Japón, la ópera china nanguan, el topeng de Bali, la danza y los cantos de la tradición Baul y el kathakali de India, el bumba meu boi brasilero, el flamenco y las formas de interpretación contemporáneas occidentales. Un espectáculo que reúne artistas de diferentes tradiciones puede nacer de muchas maneras. Los artistas pueden abandonar el estilo de su tradición y, junto a otros, encontrar un estilo en común. O bien, pueden asumir el estilo de una tradición diferente a la suya para dar un vigor nuevo a la obra que están representando. Los textos griegos pueden ser interpretados por actores japoneses que forman parte de la tradición del teatro noh, y los textos de Shakespeare pueden ser recitados en francés por actores que se inspiran en la habilidad escénica del kabuki.

Con el ensemble del Theatrum Mundi Eugenio Barba sigue otro principio: cada artista conserva fielmente las características específicas del propio estilo, integrándolas al contexto de las diferentes escenas de la historia.

Sinopsis

1. Bienvenida a los espectadores.

Dos clowns, Mr. Peanut y el balinés Penasar, conducen a los espectadores a sus lugares.

2. Introducción.

Canto de Transilvania en la oscuridad.

3. Presentación del espectáculo

Dos narradores, una Baul de India y un cantante folclórico brasilero, informan a los espectadores acerca de los eventos que están por suceder.

4. El poder de la naturaleza.

Una mujer japonesa admira la belleza del paisaje, mientras irrumpe la Muerte.

5. La familia.

Un padre (Pulcinella), una madre (Ópera Nanguan) y un niño brasilero (Cavalo Marinho) representan la intimidad de la vida doméstica.

6. Debilidad humana.

La narradora Baul muestra la avidez de un viejo (Topeng balinés).

7. Fiesta brasilera.

Un grupo de personas felices celebra la vitalidad de un toro.

8. Derroche de audacia.

El cantante brasilero y el bailarín de danzas tradicionales húngaras despliegan su virtuosismo.

9. La fiesta termina.

Se mata al buey, mientras la familia admira el paisaje.

10. La gente tiene hambre…

Dos clowns (Bali y Brasil) encuentran al buey muerto y lo arrastran fuera de la escena para poder comerlo.

11. … Y las personas ricas bailan.

Una pareja elegante en zancos baila un vals con música de Strauss.

12. El funeral del niño.

Los padres lloran la muerte del niño.

13. El rostro de las tinieblas.

Un demonio del Kathakali intenta destrozar el cadáver del niño.

14. La transformación de la Muerte en Vida.

El buey y el niño resurgen y el espectáculo termina con la Muerte transformada en Vida, mientras los actores cantan una canción tradicional húngara (“A lo largo del río Tisza bajo un almendro/ dos amantes se abrazan”).

EN ESCENA: Keiin Yoshimura (Japón); I Wayan Bawa (Bali); Parvathy Baul (India); Yalan Lin (Taiwán); Alício Amaral, Juliana Pardo, Rodrigo Lopes dos Reis, Matheus de Aquino (Cia. Mundu Rodá, Brasil); Caterina Scotti, Alessandro Rigoletti, Ricardo Gomes (Teatro tascabile di Bergamo, Italia); Julia Varley, Jakob Nielsen, Antonia Cezara Cioaza (Odin Teatret, Dinamarca); István Berecz, Ibolya Páli (Hungría); Lorenzo Gleijeses, Manolo Muoio (Teatro di Roma, Italia)

Rocío Susana Antero-Cabrera Vites (Perú), Javier Arboleya Rodríguez (España), Taylor Ayling (UK), Aurora Bolaffi (Brasil), Viviana Bovino (Italia), Eugenia Cano (México), Benedek Csonka (Hungría), Mark Diaz (USA), Anna Viktória Dömötör (Hungría), Federico Fanella (Italia), Natalia Georgosopoulu (Grecia), Daniel Ginebroza (España), Gaia Diana Dalia Gulizia (Italia), Sarimé Álvarez Hernández (Cuba/México), Cecilia Hopkins (Argentina), Asmaa Houri (Marrueco), Fanis Katechos (Grecia), Dominika Laster (Polonia/USA), Denis Lavie (Francia/España), Bojan Lazarov (Macedonia), Attila Lestyán (Hungría), So Young Lim (Corea del sur), Leonardo Mancini (Italia), Ana Patricia Marioli (Argentina/Alemania), Natasha Mirny (USA), Pál Nyáry (Hungría), Lorenzo Ortis Gallo (Italia), Zsófia Pálfi (Hungría), Réka Pável (Hungría), Mirla Pereira (Cuba/USA), Darinka Pilári (Hungría), Ivana Milenović Popović (Serbia), Gisella Rotiroti (Italia), Cecilia Ruiz (Argentina), Karina Russa (Hungría/Venezuela), Natalya Rybalkina (Ucrania), Leo Schmukler (Argentina), Eirini Sfyri (Grecia/España), Anna Somogyi (Hungría), Hal-Jun Sung (Taiwán), Nadine Szakács (Hungría), Natalia Tesone (Argentina), Renee Torres (Venezuela), Mérida Urquía (Cuba/Colombia), Alexis Vandist (Bélgica), Kengip Wong (China), Gyan Ros Zimmermann (Ecuador/Chile)

MÚSICOS: So Sugiura (Japón), Gregorio Amicuzi (Italia), Rachid Bromi (Marrueco), Linda Cunningham (Irlanda), László Lukács (Hungría), Annada Prasanna Pattanaik (India), Rina Skeel (Argentina/Dinamarca)

SOUNDSCAPE: Mirto Baliani (Italia)

ESCENOGRAFÍA DIGITAL y DISEÑO DE LUCES: Stefano Di Buduo (Italia-Alemania)

STAGE MANAGER: Manolo Muoio (Italia)

DOCUMENTACIÓN AUDIOVISUAL: Claudio Coloberti (Italia)

DOCUMENTACIÓN FOTOGRÁFICA: Francesco Galli (Italia)

TEXTO del PROGRAMA: Leonardo Mancini

ASISTENTES: Gregorio Amicuzi (Italia), Viviana Bovino (Italia), Antonia Cezara Cioaza (Rumanía/Dinamarca), Ricardo Gomes (Brasil), Leonardo Mancini (Italia), Jakob Nielsen (Dinamarca), Francesca Romana Rietti (Italia)

ASISTENTES DE DIRECCIÓN: Rina Skeel (Argentina/Dinamarca), Julia Varley (UK/Dinamarca), Ana Woolf (Argentina)

CREADO y DIRIGIDO por: Eugenio Barba

DOCUMENTACIÓN

Claudio Coloberti (Italia) 100 horas de filmación

Linda Cunningham (Irlanda) 50 horas de filmación

Fotografías

Francesco Galli (Italia): material fotográfico (45.000 tomas), serán seleccionadas aquellas que servirán como documentación de los archivos de la Fondazione Barba Varley

LIVE STREAMING

45 horas para 100 seguidores

PRENSA

Entrevistas con los miembros del staff artístico y pedagógico, responsable Gregorio Amicuzi (in progress):

Entrevista a Eugenio Barba

Entrevista a Julia Varley

Entrevista Tascabile di Bergamo

Entrevisa a Ana Woolf - CATA -

Artículos:

https://www.artezblai.com/hungria-acoge-la-17a-sesion-de-ista-la-escuela-de-antropologia-teatral-con-eugenio-barba-al-frente/

https://magyarnemzet.hu/kultura/2023/05/eugenio-barba-a-kulturalis-tapasztalatcsere-megerositi-szemelyes-identitasunkat

https://szinhaz.org/2023/05/vilagok-kozti-hidakon-beszelgetes-regos-janossal/

La ISTA es una escuela de teatro itinerante que atrae artistas provenientes de todo el mundo que desean ampliar su conocimiento, está dirigida por el mundialmente reconocido director Eugenio Barba, con seminarios conducidos por maestras-os pertenecientes a diferentes tradiciones escénicas. Desde su fundación en 1979, las sesiones de la ISTA se llevaron a cabo en las siguientes ciudades: Bonn (Alemania, 1980), Volterra y Pontedera (Italia, 1981), Blois y Malakoff (Francia, 1985), Holstebro (Dinamarca, 1986), Salento (Italia, 1987), Boloña (Italia, 1990), Brecon y Cardiff (Gran Bretaña, 1992), Londrina (Brasil, 1994), Umeå (Suecia, 1995), Copenhague (Dinamarca, 1996), Montemor-o-Novo y Lisboa (Portugal, 1998), Bielefeld (Alemania, 2000), Sevilla (España, 2004), Wroclaw (Polonia, 2005), Albino (Italia 2016), y Favignana (Italia 2021), primera sesión de la ISTA/NG.

ISTA/NG forma parte de un proyecto de “compartir el saber” promovido por la Fondazione Barba Varley. El proyecto comprende la versión sea digital como de acceso libre del JTA – Journal of Theatre Anthropology; acceso libre a una serie de films sobre los principios de la Antropología Teatral; la actividad teórica, histórica, didáctica y artística del Living Archive Floating Islands dedicado a Eugenio Barba, Odin Teatret y al Tercer Teatro. El proyecto se desarrolla en colaboración con las Sedes Itinerantes de la Fondazione Barba Varley en Italia, Alemania, España, Rumanía, Argentina, Grecia y Colombia.

La 17a sesión de la ISTA/NG continúa una actividad desarrollada por el Odin Teatret en donde creación artística y práctica pedagógica se funden en la investigación. Esta zona fértil e intermedia corresponde a lo que en las ciencias naturales se llama investigación aplicada.

En las artes, y en particular en el teatro, la investigación pura corresponde a la investigación de principios de base. El método consiste en abrir un camino hacia los orígenes de la propia identidad profesional, en el formularse preguntas aparentemente obvias o ingenuas y, una vez más, en partir del primer día para analizar nuevamente la experiencia adquirida.

Sea la investigación pura como la investigación aplicada implican el desarrollo de un ambiente en el cual sea posible acercarse prácticamente y confrontar la eficacia de los principios técnicos de actores/bailarines de diferentes géneros y tradiciones. Este ambiente interdisciplinario e internacional tiene como base una orientación comparativa. Funde teoría e historia, práctica y experiencia creativa en un acercamiento cuyo objetivo es la adquisición de un saber pragmático aplicable a nivel individual. Fundamentalmente es el ambiente de la experiencia inmersiva de la ISTA/NG: el contacto entre diferentes generaciones, los encuentros e intercambios en el tiempo libre, la transmisión a través de la práctica de diversas técnicas y la relación entre investigación personal y colectiva que crea una comunidad entre jóvenes artistas de teatro/danza, estudiosos, teóricos y maestros de larga experiencia.

Durante la 17a sesión de la ISTA/NG, maestras/os de teatro y danza de diferentes tradiciones, en colaboración con Eugenio Barba, han acercado a los participantes el mundo de los principios pre-expresivos que orientan la creatividad de sus formas escénicas. Los principios técnicos que están en la base de la profesión del actor/bailarín nunca están presentes en estado puro, sino que aparecen bajo las vestiduras de un estilo. Cuando las vestiduras pertenecen a estilos y tradiciones extranjeras a nosotros, se corre el riesgo de que estos principios permanezcan escondidos a causa de la extrañeza de la forma que los contiene. Sin embargo, cuando nos son familiares, es justamente esta cercanía la que debilita nuestra atención. Los actores/bailarines, como todos los artistas, expresan su creatividad a través de formas, ritmos y tensiones en una sucesión de composiciones cuyo montaje desarrolla escenas de eficacia sensorial, asociativa, conceptual y estética. Las/los participantes han tenido la oportunidad de experimentar a través de su propio cuerpo el know-how físico/mental de actores/bailarines de diferentes tradiciones. Este proceso, que incluye las demostraciones de trabajo de maestras y maestros y conversaciones sobre su biografía, permitió a las/los participantes experimentar y confrontar los principios y las estrategias que contribuyen al montaje final de un espectáculo. Fue fundamental para las/los participantes la aplicación de estos principios en ANASTASIS/RESURRECCIÓN, espectáculo ideado y dirigido por Eugenio Barba, presentado el 20 de mayo en el Teatro Nacional de Budapest en el marco de las Olimpíadas del Teatro e interpretado por maestras y maestros y por participantes de la ISTA/NG.